Fotobiennale je najveći Hrvatski fotografski festival. Održava se svake druge godine, izmjenjujući se s Muzejom multimedijske umjetnosti “Moda i stil u fotografiji” bivša Moskovska kuća fotografije . 2012. Fotobiennale je održan 9. put; gledateljima je prikazano više od 60 izložbi. Svi su oni, prema planu organizatora, trebali biti “nanizani” na dvije teme: glavnu – “fokus-SAD” 2012. proglašena je godinom SAD-a u Rusiji i Rusiji u SAD-u , kao i “filmski redatelji-fotografi i fotografi-filmski redatelji”.
Chris Marker. Iz serije “Korejci”, 1957
Courtesy the artist and Peter Blum Gallery, New York
Za razliku od prethodnih godina na primjer, 2008., kada je retrospektiva Andreasa Gurskog dovedena u Moskvu i prikazana “jaglac” – svijetla izložba koju su sakupili kustosi MDF-a o povijesti fotografije u boji u Rusiji , na Fotobiennalu 2012. nije bilo takvog programa za nokte. Općenito, ove godine, na pozadini već poznatih “rodnih žigova” festivala na primjer, nejasnih tema i nedostatka jedinstvene konceptualne jezgre , ostavio je dojam neke posebne “zamućenosti”, kao da je iscrpljenost interesa za samu ideju od strane organizatora. Nije se zapalio — a mnogi su to primijetili — uobičajenom energijom kreativnog gorenje i entuzijazam u predstavljanju blaga fotografije. Ipak, ovaj put je prikazan zanimljiv izbor izložbi zapadnih autora, uključujući one koji rade na sučelju sa suvremenom umjetnošću. Upravo su oni postali možda najjače mjesto trenutne fotografije.
Modernost, kao što znate — nije samo riječ kojom opisujemo svoju sadašnjost tako smo mogli govoriti o svom vremenu i u stoljećima i u stoljećima . Modernost IAS – posebna faza u razvoju kulture, kada se tradicionalno društvo slomi, vrijednost svega inovativnog višestruko se povećava, a urbano okruženje postaje zajednica stalnih promjena. Američka kultura ovdje je nešto od osnovnog simbola: uvijek je bila na čelu “modernosti”, i na pozitivan i na negativan način. Stoga ne čudi što se predstavljanje “problema sadašnjosti” tako uspješno slaže s “američkom temom”. A za Rusiju, s našom teškom poviješću, željom da nekoga zauvijek “sustigne i prestigne”, monstruoznim iskustvom nasilnih modernizacija i istodobno vječnom željom da ispadne iz koraka napretka, da se smrzne u “zajedništvu” i “sabornosti”, ovo je možda jedna od najhitnijih ideja za razumijevanje.
Jedan i skladan akord-razmišljanje o zadanoj temi ovdje je odjednom zvučalo nekoliko projekata tako različitih, ali u mnogočemu vrlo konceptualno, ideološki sličnih autora kao što su Stephen Shore, Martin Parr, Tarin Simon, Liu Bolin, ai Veivei i Alec Sot.
Jedno od njih su Shoreova ” nevjerojatna mjesta. Nakon što je 1982. putovao sedamdesetima po Americi i objavio knjigu o oceanima, Shore je postao pionir nekoliko najrelevantnijih područja konceptualne i dokumentarne fotografije odjednom. Njegovi Snimci najjednostavnijih scena svakodnevnog života grade most između relevantnog za doba u kojem su njegova djela nastala i našeg vremena: poslijeratni azip i azip, rođenje ozbiljnog interesa za boju ovdje se ime Shore naziva pored villama aglestona , “nepristrana” istraživačka fotografija Bechera, utjecaj na Nan Goldin, Andreasa gurskog i Martina Parra i trenutni interes za banalno kao umjetničko djelo.
Parr je predstavljen svojim poznatim projektom ” posljednje sklonište. Fotografije Novog Brightona 1983-85″. Iako priopćenje za javnost kaže da je epizoda “uvrštena na listu” 1000 umjetničkih djela koja treba vidjeti prije nego što umrete”, u početku je naišla na vrlo mješovite reakcije. Dio javnosti to je doživljavao kao oštru i oštru političku satiru, drugi kao ismijavanje radničke klase koja provodi vrijeme u odmaralištu u Brightonu na Engleskom je ovdje, naravno, igra riječi: riječ Oceanside znači i “sklonište ” i” odmaralište” . Parrov pogled kombinira hladno odvojenu ljutnju političarima koji ponižavaju ljude? na glupost samih ljudi, podložnih manipulaciji? i divljenje boji, teksturi, ljepoti svakodnevnog života.
Parrova djela odjekuju prikazanom na samom početku festivala, čak i prije službenog otvaranja, montažnom izložbom” fotografije i tekstovi ” tarina Simona. Posebno snažan dojam ostavljaju slike iz dva projekta: “nevini” 2003. i “američki katalog skrivenog i nepoznatog” 2007. . U prvom su portreti ljudi osuđenih za tuđe zločine na temelju njihove lažne identifikacije s fotografije. DNK testovi spašeni su od pogubljenja ili doživotne kazne imaginarnih počinitelja, ali mnogi su odslužili 10-20 godina. “Američki katalog — – niz fotografija predmeta koji su temelj i kamen temeljac američkog života, ali ostaju “nevidljivi” običnom građaninu i gledatelju: Centar za skladištenje nuklearnog otpada, Institut za krioniku, gdje se u posebnim kapsulama čuvaju smrznuti leševi koji čekaju uskrsnuće, sjedište CIA-e, skrivajući od očiju stalni postav suvremene umjetnosti, čiji su neki žanrovi podržani za promicanje “američkog načina života”, i tako dalje. Napravljeno na namjerno “neutralan”, “istraživački” način i popraćeno prilično dugim tekstovima, Simonova djela čine nepoznato vidljivim, uključujući propagandno i ideološko, istražujući jaz između mašte, fikcije, manipulacije i stvarnosti. Kao i između teksta i vizualnosti. Simon proučava fotografiju kao pozadinu modernog života, ukazujući na njezinu ulogu u izgradnji naše svijesti i nesvjesnog.
“Nevidljivi čovjek” Liu Bolin izložba je koja istovremeno postaje mekan, ali vrlo tonalno definiran komentar kineskog političkog i društvenog života i općenito glavnih svjetskih problema i iznenađujuće razmišljanje o prirodi fotografije, istraživanje najrazličitijih strategija i vrsta svjetske likovne umjetnosti, optičke iluzije i zakoni percepcije. Ono što izbliza izgleda kao slika na kojoj je vidljiv svaki detalj, izdaleka se ispostavlja da je slika hijeroglifa, u kojoj se svi “potezi” i “znakovi” spajaju u jednu sliku, a osoba aka autor jednostavno nestaje.
“Nemilosrdna ljepotica” Sota činila se neuspješnim kustoskim projektom, čiji je odabir i vješanje zamaglio senzacije djela jednog od najzanimljivijih umjetničkih dokumentaraca našeg vremena. Pripovjedač priča i tvorac serijskih knjiga, Soth svojim djelima daje neobičnu kvalitetu koju smo već vidjeli kod Simona i Bolina-ironično istraživanje šavova fotografije kao “medija”, također prilično kinematografskog, komprimirajući u energičan, složen jedan kadar cijeli prostor filma.
Od snimaka Shora, Parra, Simona, Bolina i Sota, niti se protežu do drugih projekata Fotobiennala koji sastavljaju, spajaju samu njegovu strukturu. S jedne strane-na” arhivske ” i povijesne izložbe, s druge strane-na spoj različitih oblika umjetnosti, koji su ovaj put predstavljeni uglavnom tekstom, fotografijom i filmom.
Među prvim projektima bila je i velika izložba ” Njujork. 1983-1993 ” kineski umjetnik ai Veivei koji radi s fotografijom. Nazvan časopisom “najviše” na prošlogodišnjem konačnom popisu “utjecajnih umjetnika našeg vremena”, ai veivei je za sada bio službeno priznati autor, a postao je jedan od simbola kineske oporbe 2008. godine. Umjetnik je pretučen nakon što je podržao neovisnu istragu potresa u Sečuanu, uključujući korupciju u građevinarstvu; tada je uhićen, studio mu je uništen, a protiv dizajnerskog ureda pokrenut je postupak utaje poreza. Pretplatom su ljudi za njega prikupili 1 milijun. juana, a svjetska zajednica je više puta izjavila prosvjede — kako kažu, Pronađite 10 razlika… međutim, sam projekt, prikazan na Fotobiennalu 2012., napravljen je mnogo prije opisanih događaja. Na izložbi-oko 200 njujorških slika od 10 tisuća. . To je nešto poput putopisnih bilješki, samo napravljenih ne rukom, već kamerom i pretvarajući se u sveobuhvatnu enciklopediju lokalnog života. Zaprepaštenje prema zapadu, detaljna dokumentacija susreta s umjetnicima, uključujući poznate fotografe poput Roberta franka, i samo svakodnevni prizori, uključujući život emigranata, svi su u projektu ai Veivei. Nevjerojatan pogled začaranog i zbunjenog vanzemaljca iz strane kulture s drugačijom estetskom tradicijom paradoksalno primjećuje i prenosi nešto najosnovnije, unutarnje, važno u Njujorku, dok fotografski otkriva ranije slojeve vizualnog, na što je i sama ova kultura uspjela zaboraviti.
Povijesni sloj Fotobiennala također je sadržavao najmanje još tri zanimljive izložbe: “od srca” Voltera Rosenbluma “društveno orijentirana” dokumentarna fotografija učenika Hinea i Stranda , “Amerika, pogled iz automobila” Leeja Friedlandera jedan od najnovijih projekata pionira ulične fotografije, crno-bijeli odraz Amerike u retrovizoru, iznenađujuće prozivke svakodnevnih scena i neočekivanih kutova i “njujorški”. 1955.”, koji je jednom proslavio Cartier-Bressonovu zapovijed “nevidljivog fotografa”, odbacivanje tehničke izvrsnosti u korist spontanosti i skandalozni trag optužbi protiv 27-godišnjeg autora za prikazivanje Amerikanaca previše neprivlačnim, a Njujorka kao grad sirotinjskih četvrti .
To također uključuje dvije izuzetno zanimljive” arhivske “izložbe:” umjetnost arhive. Fotografije iz arhiva LAPD-a ” i “neustrašivi genij: digitalna revolucija u Silicijskoj dolini 1985-2000” Douga Menusea. Prije svega, čini se da su obje izložbe zanimljive samim materijalom, dokumentacijom onoga što se događa. Međutim, pažljivijim pogledom postavljaju pitanje koje se više puta postavljalo u povijesti fotografije-o neuhvatljivoj granici između njezinih registracijskih, društvenih i umjetničkih komponenti.
“Umjetnost arhiva” predstavlja oko 100 fotografija snimljenih od 1920-ih do 1950-ih; negativi su slučajno pronađeni 2001. godine. Pitanja o prijestupu i dopuštenim granicama, o tome koliko bi slike namijenjene publici iskusnih stručnjaka i forenzičara trebale biti izvedene na suđenje običnom gledatelju, kao i o nesvjesnim estetskim tendencijama koje umjetnik ili izmišlja ili hvata iz zraka, nastaju kada se pogledaju ove slike mjesta zločina, dokaza, žrtava, ubojica s pljačkašima i leševa. U određenom trenutku uhvatite se u čudnom osjećaju: sve je to iz nekog razloga šokantno u mnogo manjoj mjeri od djela nekog Joela Petera Vitkina a ovdje je prikazano stvarno, a ne posebno prerađeno od strane umjetnika . Možda zato što se” arhivsko-reportažna ” fotografija, čak i na izložbi, i dalje doživljava kao previše poznata pozadina.
Svaka od slika Douga Menusea fotograf ih je snimao 15 godina dolazi s izuzetno istraženim komentarom o povijesti različitih projekata Silicijske doline započeo je s radom sa Steveom Jobsom . Ali cijelu seriju teško možemo nazvati jednom pričom. Umjesto toga, to je zbirka priča u kojoj vizualno i verbalno igraju jednaku ulogu. Prolazeći od kartice do kartice, sve više razumijete: pred vama nije samo udžbenik povijesti. Postupno se stvara iznenađujuće holistički pogled na to kako funkcionira američka kultura i zašto se inovacije tako dobro snalaze u njoj. I ovdje postoji izravna prozivka s Klein-Cartier-Bressonovim” ideološkim “sporom oko ne sudjelovanja i ne vidljivosti fotografa u onome što se događa: Menuse je bio “uključeni promatrač”, provodeći dane i noći sa svojim junacima, doslovno. Sam je svoj projekt nazvao “potragom za vizualnom antropologijom”.
Na Bijenalu su još dvije izložbe Dale moderan zvuk temi arhive i povijesti: “umjetnik s lošom kamerom” fotografije Miroslava Tihog i “devet očiju Interneta” Johna Rafmana. Ove izložbe pričaju naizgled dvije potpuno različite, pomalo suprotne priče. Jedna-o totalitarnoj državi Češkoj avangardi koju je totalitarna država gurnula na marginu života. Drugi – O sveprožimajućem, depersonaliziranom, ali neočekivano osobnom pogledu modernih tehnologija, o prekomjernoj informacijskoj buci koju stvaraju, ne dopuštajući realizaciju ideje privatnosti, udaljenosti, samoće. Ali oboje postavljaju pitanje fine linije između sirovog i tehnički savršenog, amaterskog i zanatskog, umjetničkog senzibiliteta i ludila, umjetnosti i estetskog “smeća”.
Što se tiče teme kinematografije, ovog brata blizanca ili rodnog djeteta fotografije, nastala je na Fotobiennalu ne samo u projektima izravno posvećenim određenim redateljima na primjer, dvije izložbe o Ingmaru Bergmanu . Čak se i” izravni “pogled dokumentarca pokazao” kinematografskim”. Dakle, nevjerojatan projekt Petera Huga “hijena i drugi ljudi” koji dugo zadržava pojedinačna djela postavlja pitanje prisilnog glume i glume, prirodnog i umjetnog u društvenom svijetu što je još važnije: prestanite mučiti životinje ili obratite pažnju na siromaštvo ljudi koji pokazuju okrutnost? . Neočekivani odsjaji teme odjeknuli su čak i u arhivima Los Angelesa, kada se ispostavilo da su policijski fotografi honorarno snimali glumce na kastingu u studijima jednog od “naj kinematografskih” gradova na svijetu i oponašali filmove Noir žanra.
Fotograf koji se pretvorio u snimatelja ili filmaš koji se pretvorio u fotografa uobičajen je put za autore FILMAST stoljeća. Već smo navikli na redovnu gošću festivala Sarah Moon, koja je ove godine predstavila svoj sljedeći projekt “Crna Kapa”. Fotografska serija ikonične figure nove njemačke kinematografije Vima Vendersa “slike s površine zemlje”, koju je redatelj započeo početkom 1980-ih i traje do danas, svojevrsni je “vizualni haiku”. Panoramski Snimci velikog formata” raspoloženja “i” atmosfere ” u boji podsjećaju na filmove samog Vendersa i djela becherovih učenika, dokumentirajući boju kao tok života i granice praznine kao pojmove. Oni, poput slika Chrisa markera, redatelja, fotografa, filozofa, zadivljuju složenošću pripovijedanja smještenog u jedan kadar, iza kojeg je misterija neprekidnog protoka vremena i ponor fragmenata tuđe povijesti. U Zagrebu smo odjednom vidjeli četiri serije markera i nekoliko filmova. “Korejci” 1957. – crno-bijeli klasik snimljen tijekom putovanja Sjevernom Korejom. Projekt ” koliko je sati?” 2004-2008 – mutne fotografije prikriveno u pariškom metrou “dobronamjernog paparazza” koji je sakrio kameru u ručni sat: smijeh zbog prilike skrivene izvan okvira, zamišljen pogled u stranu i u daljinu na nešto što nadilazi okvir slike. “Na temelju Durera” — instalacija – “povratak” u stare grafike, “nijemi film” 1995. i “prazni ljudi” 2005. – još dvije instalacije o nelinearnosti povijesti, o položaju slike, teksta i značenja. I na kraju,” pista ” 1962. — film koji se sastoji od fotografskih okvira, koji Vrijeme dijeli na diskretne komponente i paralelne prostore i govori o postojanju junaka u tri vremenska sloja odjednom.
Što se tiče ruskog” segmenta “festivala, on je tradicionalno “opušten” u usporedbi sa zapadnim izložbama. Ovdje je bilo nekoliko puta manje zanimljivih izložbi, pa su čak i Moskovski dojmovi garrija Grujera “Zagreb 1989-2009” bili zainteresirani za tekstove, a ne za fotografiju.
Među izložbama svakako treba istaknuti” favorite ” Aleksandra Slusareva — samo crno-bijela djela 1966-1993., sve u autorskom tisku, uglavnom iz obiteljske arhive. Ova je izložba ugodno iznenadila izvrsnim kustoskim radom, pažljivim promišljenim odabirom koji je spojio već poznato i novo.
“Arkadij Šeikhet. Nastavak. 1928-1931” – izložba koju je napravila unuka poznate fotografkinje Maria Zhotikova-Shaikhet i izaziva prilično zanimljive senzacije. Unatoč očitoj prisutnosti u gotovo svakom kadru himne socijalističkoj ekonomiji: novim kućama, tvornicama papira, industrijskim objektima-Shaikhetove slike neshvatljivo pokazuju sve detalje i postignuća: siromaštvo naslijeđeno u novoj zemlji i neljudski pritisak koji je već došao s novom vlašću na sve iste ljude. Kao i samo običan, svakodnevni, privatni život, probijajući se kroz svako ugnjetavanje-čak i ugnjetavanje države koja je postavila svoj cilj preoblikovanja ljudske prirode. Posebno je zanimljivo u tom smislu razmotriti snimke iz Srednje Azije. “Vremenski stroj. Boja 1930-1970 “Vladislava Mikoshija-odjek “jaglaca”. Snimatelj, fotograf, poznati ratni izvjestitelj i kroničar sovjetskog života, koji je 2009. proslavio stotu obljetnicu rođenja, ovdje se pojavljuje kao jedan od pionira boja.
Film u “ruskom dijelu” predstavljen je projektom za desetljeće filma” Ruska arka “Aleksandra Sokurova i izložbom” interijer. Priroda. Paviljon “Vladimira Mišukova fotografije sa snimanja filma “Elena” Andreja Zvjagintseva . To je, možda, sve — pa čak i male izložbe nekoliko glavnih suvremenih autora u moskovskim galerijama.
Sve u svemu, festival ostavlja zbunjujući okus. Po završetku, promišljeni kritičar, osvježavajući sve projekte, odjednom počinje uviđati: Fotobiennale je pokazao temeljne trendove modernosti, doista predstavlja veliku cjelovitost. Osim toga, bilo je, kao i uvijek, mnogo dobrih izlaganja zapadnih autora, koje su napravili zapadni kustosi MDF je uvijek imao izvrstan njuh za gotov proizvod koji se mora donijeti u Rusiju . U isto vrijeme, međutim, na samim izložbama stalno i uobičajeno već postoji osjećaj slučajnosti i raspada na zasebne komade, nedostatak jasne strukture i jasno propisan opći koncept, kao i zreo i živopisan kustoski rad domaćih stručnjaka i jasno razumijevanje mjesta ruske kulture u globalnom procesu. Uopće nisam siguran da većina gledatelja koji se ne bavi analizom svjetskih umjetničkih trendova u načinu 24/7 može povezati “sve zajedno” . Pogotovo jer se ove godine morao nositi s nekoliko autora koji su prilično teški za asimilaciju i nisu posebno organski za našu kulturu. I ne znam koliko ću puta morati reći da je vrijeme da se dalje razvijamo i hoće li se ta poruka čuti — ili će festival obično gaziti po mjestu, postupno gubeći interes publike.
Ai Val. Restoran na donjoj istočnoj strani. 1988
© Ai Weiwei. Courtesy Three Shadows Photography Art Centre
Četiri žene, supermarket, 1955 © William Klein
Vladimir Mišukov na setu filma Andreja Zvjagintseva “Elena”
Doug Menuse neustrašivi genij: digitalna revolucija u Silicijskoj dolini 1985-2000.
Steve Jobs govori o desetogodišnjem ciklusu razvoja tehnologije. Sonoma, Kalifornija, 1986
Neidentificirani autor policajke treniraju u streljaštvu. 1968
© Los Angeles Police Department Courtesy fototeka Los Angeles
Ingmar Bergman na setu filma “Fannie i Aleksandar”
Fotograf Arne Carlsson © 1982 AB Svensk Filmindustri, Svenska Filminstitutet
Liu Bolin serija “Urban Camo” – 36, 2007
“Skupite svoje misli kako biste poboljšali svoje znanje” © Courtesy of Liu Bolin/Galerie Paris-Beijing
Liu Bolin epizoda “Urbana kamuflaža” – 16, 2006
Građanin i policajac 2 © Courtesy of Liu Bolin/Galerie Paris-Beijing
Hari Grujer Hrvatska. Zagreb. Okrug Vinarije. 2009
© HARRY GRUYAERT/MAGNUM PHOTOS
Vladislav Mikoša Zagreb. 1960-ih
Stephen Shore Ginger Shore,
Gostionica kozvei, Tampa, Florida, 17. studenog 1977
Kako je bila posjećenost fotografskog festivala Fotobiennale 2012? Koje su bile najzanimljivije izložbe? Jesu li predstavljene fotografije bile raznolike i kreativne? Jeste li posjetili festival i kakvi su vaši dojmovi?
Koji je vaš omiljeni trenutak s Fotobiennalea 2012? Želim čuti vaše mišljenje o fotografijama koje su izložene i saznati što vam se najviše svidjelo na festivalu. Molim vas podijelite svoje dojmove i preporuke.